7. Corrientes estéticas clásicas
Una corriente estética es una tendencia o actitud que impulsa un conjunto de personas a establecer criterios o ideas sobre los resultados de su trabajo artístico. En la fotografía, como en todos los campos creativos, también han existido desde su descubrimiento diferentes corrientes estéticas, nacidas generalmente por oposición a los gustos artísticos de otros grupos

7.1 Fotografía artística
El propósito de la fotografía artística va mucho más allá de la mera representación de la realidad. Las fotos artísticas no se toman sino que se crean y dependen fundamentalmente de la creatividad del fotógrafo y de su modo de plasmarla en una imagen. Bajo este nombre se identificó la obra de fotógrafos que trataron de incorporar a la fotografía elementos propios de la pintura de la época. Desarrollaron su trabajo en la segunda mitad del siglo 19.En este tipo de imágenes la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en la foto. Esta corriente estética surgió como reacción a las críticas de quienes en aquella época negaban que la fotografía tuviera valor artístico alguno. Sus integrantes buscaron inspiración en la pintura academicista, de la que tomaron sobre todos sus temas bíblicos, mitológicos, históricos, etc... Eran fotografías laboriosas y complicadas de realizar pues utilizaban decorados, vestuario y en ocasiones recurrían también a la combinación de negativos para conseguir una composición previamente pensada, de modo que la obra fotográfica final era fruto de múltiples tratamientos. Algunos fotógrafos de esta corriente fueron Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson y la última Julia Margaret Cameron 

Los dos caminos de la vida Oscar Gustav Rejlander

Los últimos instantes(1858)Henry Peach Robinson
Julia Jackson, un retrato por Julia Margaret Cameron, 1867.

7.2 Pictorialismo
Es una reacción a la fotografía artística y muestra una imagen más allá de lo existente, una imagen separada del mero registro de la realidad, un arte comparable a la pintura, a la escultura. 
El Pictorialismo es una reacción a la fotografía de aficionados que somete la idea de los valores propios de la fotografía para poder realizar obras de arte similares a otras disciplinas artísticas.
Los fotógrafos del Pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas del Romanticismo del siglo XIX que destacan por la sensibilidad y dejan en segundo plano los conocimientos técnicos. La idea es separar el concepto de la mera reproducción de la realidad.
La imagen borrosa, el efecto “floue” y el desenfoque señalan una fuerte influencia del Impresionismo.
La idea de borrosidad, de impedir ver claramente requiere no enfocar de forma deliberada, que entre el tema y la cámara se coloquen filtros, plantillas y demás utensilios.
A la fotografía se le pueden añadir diferentes técnicas como carbón, goma bicromatada y bromóleo. Así surge el concepto de “impresiones nobles” de modo que nunca resultaban iguales, eran obras únicas. 
Corriente fotográfica desarrollada en EEUU y Japón desde 1880 hasta el final de la primera guerra mundial. Pictorialismo proviene del inglés picture. Las tendencias principales dentro del pictorialismo fueron el naturalismo y el impresionismo. Los fotógrafos más destacados del naturalismo fueron británicos por ejemplo Peter Henry Emerson y otro Henry Peach Robinson. Y entre los impresionistas está el británico alvin langdon coburn y el luxemburgués Edward steichen  y el español José Ortiz-Echagüe. Los pictorialistas estaban preocupados por la estética y el impacto emocional. Preferían la imagen levemente desenfocada y rechazaban la nitidez. Lo importante era el contenido sin accesorios visuales que consideraban secundarios. Se hacían impresiones combinadas , se manipulaban los negativos y se usaban técnicas como la goma bicromatada, que disminuía la nitidez de los detalles y producía una imagen más artísticas.

7.3 Dinamismo
Uno de los primeros usos de la fotografía fue de uso científico. Por primera vez se podía "congelar" un momento de la realidad y observarlo de manera fija y continúa. Permitía hacer un análisis de la estructura y del movimiento de seres vivos. Esta corriente se llamó dinamismo. Para desarrollar estos movimientos se realizaron las cronofotografías, en donde el movimiento dinámico de un cuerpo quedaba registrado en cada una de sus reflexiones y tensiones. Eran imágenes que ayudaron a entender mejor la estructura física de los cuerpos.
  Eadweard Muybridge "Caballo en movimiento

 Entre 1870 y 1914 fotógrafos como etienne Jules Marey y el británico eadweard Muybridge lograron reducir el tiempo de exposición de cada fotografía muy necesa para captar elementos en movimiento, se empleaban hileras de 24 cámaras que disparaban "desde ángulos diferentes" mediante un mecanismo especial al pasar por delante de un motivo, objetos o personas...

7.4 Nuevo realismo
Fue un movimiento surgido del pictorialismo en la década de 1920, impulsado por artistas que buscaban acercarse más a la realidad sin manipular las imágenes en el positivado; por ello es conocida también como fotografía objetiva. Tenían en común la idea de que la imagen fotográfica es algo diferente y que no tiene por qué imitar a la pintura . Su fundamento principal fue la búsqueda de la riqueza tonal y la nitidez de los detalles, características que hoy son normales, pero que en su día significaron una verdadera revolución. El fotógrafo estadounidense Alfred Stieglitz fue su principal promotor desde el grupo photo secession (en 1900), al que pertenecieron Edward Steichen y Clarence H.White. Los neorrealistas propugnan el reconocimiento de la fotografía como una manifestación artística Autónoma. La revista camera Work fue fundada por Stieglitz en 1902, fue el medio para difundir estas ideas y las obras de fotógrafos de este movimiento como Ansel Adams, Frederick Evans, Paul Strand, Edward Weston y Imogen Cunningham

Imogen Cunningham
Edward Weston "cabbage leaf"

8. Otras corrientes estéticas
Las corrientes estéticas modernas tienen los mismos objetivos que las clásicas, o cualquier otra corriente contemporánea: defender un punto de vista personal sobre cómo tratar la técnica de registro, el revelado y positivado de la foto, que temática elegir y que estética aplicar

8.1 Estructuralismo y Abstracción

La fotografía abstracta es uno de los tipos más modernos de fotografía. Se puede decir que sólo hay una regla en la fotografía abstracta y esa regla es que no hay reglas. Se trata de un disparo normal y del ángulo y enfoque correctos para crear una obra maestra de colores, diseños y texturas. La fotografía abstracta puede producir imágenes muy espectaculares. Se basa en el sentido más primitivo de la forma, el color y curvas más que en los detalle. El problema es que la mayoría de los fotógrafos tienden a pensar en términos de detalle en la evaluación de oportunidades fotográficas. Sin embargo, se necesita una forma diferente de ver el mundo para percibir las oportunidades de la fotografía abstracta que nos rodean. Algunos fotógrafos que realizaron su obra a partir de la década de 1920 no eran partidarios de reproducir la realidad, sino de crear imágenes que existían previamente. La fuente lumínica fue la herramienta principal para experimentar sobre las formas y las estructuras de las imágenes. Volúmenes , texturas, juegos de luces y sombras fueron los elementos predilectos para la experimentación y creación de formas inedits mediante la fotografía. Roptchenko y Moholy- Napy 

 Alexandre Rodtchenko, La Femme au Leica, 1934
László Moholy-Nagy Boats, Marseille 1929

8.2 Surrealismo
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Muy influida por la filosofía y el psicoanálisis, esta corriente dio un enorme impulso a la fotografía utilizando con total libertad una variedad de técnicas, como el collage, el fotomontaje, el positivado de varios negativos en un mismo papel, las impresiones por ocultación, el coloreado a mano, etc.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
Las imágenes eran siempre desconcertantes con ironía, remitían al mundo onírico o también podía ser turbadoras y profundas, en la actualidad, sus técnicas se utilizan mucho en la publicidad y como medio de expresión personal. Los fotógrafos son Henri Lartigue, Robert Doisneau, Elliott Erwitt, Philippe Halsman y Henri Cartier Bresson.
Henri Lartigue


Robert Doisneau


Elliott Erwitt
Philippe Halsman
Henri Cartier-Bresson, Sevilla (1933)

8.3 Documentalismo y fotoperiodismo
Se puede considerar que la fotografía documental se inició con fotógrafos como mathew brady en la década de 1860. Los primeros documentalistas trabajaron aislados y sin conexión con las llamadas sociedades o hermandades fotografícas de las grandes capitales mundiales. Para estas, la fotografía documental era considerada vulgar y hasta de mal gusto. La realidad de la gente común no merecía ser tomada como tema fotográfico.
La fotografía documental combina el uso de la imagen como documento y testimonio. Es el antecedente al fotoperiodismo, que alcanzó pronto un alto grado de prestigio en todo el mundo hasta la actualidad. La fotografía documentalistas buscaba mostrar el ser humano en su amplia tipografía y diversidad: la crítica social, los acontecimientos dramáticos causados por la Naturaleza o generados por los propios seres humanos, como conflictos bélicos y revoluciones. Algunos documentalistas célebres fueron ROBERT CAPA, LEWIS HINE , WALKER EVANS , IRVING PENN, RICHARD AVENDON , MANUEL ALVAREZ BRAVO. En 1947, un grupo de fotógrafos de diversas nacionalidades fundó en París la agencia Magnum. Estaba integrada, entre otros como Robert capa, henry cartier Bresson, David seimour, George rodger y Werner Bishof.

  Federico Garcia Lorca - Seymour 1936

La agencia guarda en sus archivos miles de negativos y diapositivas no solo de los hechos más importantes acaecidos en el mundo y desde la 2 guerra Mundial, si no también de los estilos de vida del ser humano en diversos momentos y lugares del planeta

6. GÉNEROS FOTOGRÁFICOS
La fotografía es un medio de expresión visual y una herramienta de registro de información. La dedicación a un campo determinado de la fotografía requiere una información adecuada y un alto grado de especialización. Estas son las razones para que los fotógrafos profesionales suelen dedicarse a un solo género o ámbito de trabajo.

Fotografía publicitaria: la publicidad representa uno de los campos de la fotografía más competitivo y rentable; abarca un área muy diversificada, la ilustración de catálogos, moda, coches, etc. En publicidad todo es más atractivo que en la realidad. El producto que se anuncia debe crear en los consumidores la ilusoria necesidad de adquirirlo. La publicidad está inundada de connotaciones eróticas y el sexo ha sido utilizado como instrumento de persuasión casi desde los orígenes de la publicidad. Incluso a veces de manera subliminal. Dar una buena imagen resulta primordial por lo que se ha de ser cuidadoso con el mensaje transmitido o la fotografía en sí misma. Para todo esto existen numerosos recursos fotográficos y de postproducción que hacen de la foto publicitaria unas de las más creativas dentro del sector.

 Características de la fotografía publicitaria

1. La primera de estas características es atraer la atención del público. Hacerla llamativa de un modo en el que no pase desapercibida para el cliente potencial y pueda ser recordada en el futuro.

2. El anunciante tiene una idea que ha de ser plasmada en la foto; si esto no se consigue o se provoca el efecto contrario puede tener consecuencias nefastas.

3. Empujar al cliente a comprar el producto. Una vez captada su atención y transmitida la idea del anunciante el destino final de la foto comercial debe ser estimular la compra.

 

Fotografía de la naturaleza: se ubica en la década de 1890 gracias a la aparición de las primeras cámaras portátiles y a los objetivos macro que permite acercarse a pocos centímetros del objetivo. Desde entonces esta especialidad ha evolucionado mucho. Existen algunas técnicas típicas de la fotografía de la naturaleza como el uso del "hide" y mallas de camuflaje para ocultarse y poder fotografiar la fauna lo más cerca y confiada posible. Siempre se debe anteponer la seguridad y el respeto a la naturaleza a la obtención de la fotografía deseada. Existen algunas normas básicas y prescripciones legales que se deben tener en cuenta antes de iniciarse en estas técnicas fotográficas.

 

Fotografía científica y medica: Es de gran utilidad como instrumento de observación y medición en los campos de la física, química y medicina. Mediante una cámara acoplada a un microscopio electrónico se pueden fotografiar microorganismos, tejidos, moléculas células, órganos… Las radiografías son placas fotográficas que vuelven visibles imágenes captadas por rayos X. Se emplean en medicina o para detectar defectos estructurales o de obras de arte.   

Fotografía aérea: Obtenida verticalmente o con un ángulo oblicuo desde el aire. Se trata de fotografía espacial si la imagen se toma desde alguna de las capas más alejadas de la atmósfera, con cámaras electrónicas instaladas desde una nave espacial o un satélite artificial. Generalmente los satélites utilizan sensores que pueden captar la energía de la superficie terrestre. A continuación, el satélite envía señales codificadas a la Tierra donde un ordenador procesa datos y convierte las señales en imágenes. Algunas aplicaciones de la fotografía aérea son: la meteorología, cartografía, reconocimiento de terrenos para la planificación urbana o agrícola, los estudios oceanográficos, detección de incendios en regiones boscosas, militarmente, etc. 

La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.

Fotografía de arquitectura y paisaje: Intenta mostrar las relaciones entre lo natural y lo creado por el ser humano. Casas, palacios, Iglesias y monumentos en general presentan multitud de detalles arquitectónicos y el fotógrafo las capta para mostrar la belleza de esas construcciones.

IMAGEN BODEGAS MARQUÉS DE RISCAL

Fotografía de prensa:  fotografía que informa el punto o los hechos esenciales de la noticia, con estrecha relación entre título, leyenda, el texto y el nombre del medio, diario o revista. Es la que ilustra las páginas de un diario, revista o similar. Es empleado en las primeras planas o portadas, denominadas huecograbado o escaparate de los medios impresos, así como también ilustran las diferentes secciones internas de las informaciones.
La fotografía de prensa, es un conjunto complejo de mensajes concurrentes, cuyo centro es la fotografía y cuyos contornos son el título, la leyenda y el nombre mismo del diario periódico ó revista.
CARACTERISTICAS DE LA FOTO DE PRENSA.
1. Busca el centro de interés del personaje de la noticia.
2. Resalta el hecho noticioso y su ambiente.
3. Comunica con claridad el concepto del mensaje fotográfico.
4. Es creativa, da a conocer situaciones cotidianas de diversas maneras.
5. Busca nuevas formas visuales en la información.
6. Su composición es simple (no está recargada de elementos)
7. Su lectura es fácil a 3 - 4 metros de distancia.
8. Tiene adecuada saturación de colores (es nítida, y de buen contraste visual entre la figura y el fondo).
El primer periódico ilustrado con fotografías fue el británico Daily Mirror, en 1904. Desde entonces la importancia de la fotografía de prensa no ha dejado de crecer y hoy día no se concibe una publicación de prensa sin fotografías. Una variante de la fotografía de prensa es el reportaje. Que consta de una serie de fotos sobre un mismo tema. Este tipo de trabajo es más reflexivo y analítico y no está sujeto a la urgencia que imponen los acontecimientos diarios. En cierto modo el reportaje es un ensayo en imágenes a través del cual el fotógrafo da su punto de vista sobre el tema tratado 

1. REALIZA 5 FOTOGRAFÍAS DE OBJETOS CON FORMA GEOMÉTRICA CON DIFERENTES ILUMINACIONES. 

Luz Cenital

 Luz Frontal

Luz lateral u oblicua 

Contraluz

 Luz de contrapicado

LA LUZ EN LOS MEDIOS DE EDUCACIÓN VISUAL

Desde Isaac Newton en 1642, la luz ha sido suficientemente estudiada científicamente como un agente energético fundamental del universo. Elaboró la teoría corpuscular de la luz según la cual la luz era un chorro de partículas que se originaba en el foco de luz. Consistía en el rebote de las partículas sobre un cuerpo. La refracción se debería a que la componente perpendicular a la superficie de separación de los medios, de la velocidad de la partícula es mayor en el medio que en el aire. Justo al revés que la teoría ondulatoria. La explicación de la doble refracción es más rebuscada; los corpúsculos tendrían forma de prisma, dos de cuyas caras interaccionarían con el espato y las otras no. La difracción se debería a la atracción ejercida sobre el corpúsculo por el cuerpo. Para explicar los anillos de Newton sostuvo que, al llegar la luz a la separación entre dos medios, se reflejará o transmitirá dependiendo del espesor del medio. Los colores los achaca al distinto tamaño de los corpúsculos. Fue la teoría de Newton la que se impuso gracias a ser la más completa y al prestigio del autor. Hasta comienzos del siglo XIX fue unánimemente aceptada.

Con Maxwell, Einstein y Planck se llega a considerar como el agente más idóneo para el desarrollo humano del conocimiento, que es la esencia del hombre. El conocimiento “es” luz analizado cómo “longitud de onda” de la energía electromagnética, se ha llegado a considerar, la luz, la longitud de onda del Criptón de color rojo-naranja como “la medida matemática” de las grandes magnitudes del conocimiento. La imagen visual u óptica es la mejor imagen posible del científico y del hombre.
Maxwell definió la luz como “energía electromagnética” o energía sin masa. La luz blanca es la síntesis integral de una serie de ondas o radiaciones cíclicas, con una frecuencia o longitud determinada, que son los tonos o los colores, tonos fundamentales que según las últimas experiencias se saben que son seis. Son: magenta, rojo-naranja, amarillo, verde, azul cian y violeta.
Las fuentes de luz o focos que se utilizan en el equipo de iluminación son blancas y de color. 

LAS FUENTES DE LUZ O FOCOS QUE SE UTILIZAN EN EL EQUIPO DE
ILUMINACIÓN
La luz es la parte de la radiación electromagnética que puede ser percibida por el ojo humano. Es un elemento imprescindible en la fotografía. Para cuantificar y cualificar la luz, los usuarios de fotografía deben tener en cuenta que la propagación de la luz se mide según la amplitud y la longitud de la onda (la primera condiciona la intensidad y la segunda el color) y el ángulo de polarización (condiciona la direccionalidad). Las propiedades ópticas de la luz son la transmisión, la refracción, la absorción, la reflexión y la difracción. El ojo humano es el órgano a través del cual observamos y percibimos la luz midiendo incluso su intensidad calidad y caracteres. La retina recoge las longitudes de onda energéticas o del nervio óptico. El color blanco, sería la mezcla completa de percepción de todos los colores u ondas.
El mundo exterior pasa a nuestra conciencia convertido en imagen perfecta con todos sus caracteres (forma, divisiones…)
La sombra es aquella zona de la fotografía donde la luz presente no pudo llegar o que solo pudo llegar parcialmente. La sombra suele aparecer cuando los rayos de luz de una fuente luminosa inciden sobre un objeto y este proyecta su forma en el sentido contrario del que proviene la luz. La sombra que forma un objeto opaco se puede dividir en tres zonas bien diferenciadas según la física: la umbra, que es la parte más oscura y recóndita de una sombra, donde la fuente de luz es completamente bloqueada. Desde el punto de vista visual, representa la tonalidad más oscura de la sombra. La penumbra, que es la región en la cual sólo una porción de la fuente de luz es ocultada por el cuerpo de oclusión, y la antumbra, donde es posible observar la fuente de luz rodeando al cuerpo opaco (eclipse anular). En la fotografía, las sombras son utilizadas para crear un efecto dramático. En la fotografía de retrato y de detalle, las sombras dan volumen al sujeto fotografiado, mientras que una luz total sin sombras tiende a resultar en un cuerpo plano. Este efecto es mejor apreciado en sombras con una amplia escala de tonalidades del gris; cuanta más gradación del gris, más voluminoso. Muchos artistas contemporáneos utilizan este efecto, como el galardonado fotógrafo americano Ray Metzker. Otra aplicación de las sombras en la fotografía es el juego con siluetas, cuando el objeto se coloca a contraluz. Esta técnica se usa ampliamente en la fotografía de paisaje. Cuando se fotografía la luz atravesando objetos como ramas de un árbol o nubes, es posible ver rayos crepusculares. En la religión cristiana éstos se identifican con Dios. En el cine de terror, las sombras son utilizadas para provocar misterio o tensión, como la silueta de las ramas de un árbol entrando por la ventana o reflejo de un coche en el techo de la habitación.
-Tipos de iluminación: Cada esquema de iluminación produce un efecto diferente en sujeto en relación a nivel de realismo de la iluminación. La luz más real es la iluminación natural, y por consecuencia la luz solar. También se puede lograr este efecto con luz artificial, cuando estos imitan la luz del sol. En este caso, hay una única fuente de luz principal que ilumina al sujeto desde arriba y ocasionalmente en lateral. La iluminación naturista sigue los cánones de la pintura clásica sobre la luz y consiste en una representación de la luz natural pero no fiel a ella, pudiendo crear atmósfera y carácter gracias al uso de varias fuentes de luz y reflectores. La iluminación abstracta se considera realista porque el sujeto es fácilmente reconocible, pero debido a la luz, su color, forma o estructura se han visto alterados. Una técnica común para crear un efecto abstracto es la contraluz. La iluminación irreal viene dada por una distribución antinatural de la iluminación. Crea tensión en la imagen, da la impresión de deformar al sujeto o incluso fantasmagórico. Es la iluminación menos realista, pero a la vez da campo abierto a la creatividad del usuario. Varias clasificaciones de tipo de iluminaciones posibles, según distintas circunstancias, naturaleza y posiciones de las fuentes de luz o focos.

A)    Clasificación básica: Iluminación natural (Sol) e iluminación de luz artificial (Vela, antorcha)

B)   Luz blanca y luz color: Iluminación con luz integral blanca y luz coloreada.

C) Dirección o proyector de la luz ante el objeto o ambiente:

Luz cenital: es la que baja perpendicularmente sobre el objeto. Generalmente no se realiza de manera artificial en estudios, sino para exteriores, utilizando luz natural del mediodía. La imagen que produce presenta zonas con iluminación sumamente clara y sombras verticales muy marcadas.

Luz frontal: aquella de rayos paralelos al horizonte. En esta el objeto se encuentra frente al motivo a fotografiar y a espaldas del fotógrafo. Las imágenes que se obtienen son planas, con escasa textura y con pocos espacios sombreados. Esto se debe a la cercanía que existe entre la toma de imágenes y la dirección en que incide la luz

Luz lateral u oblicua: rayos que inciden por un lado de la escena u objeto. La fuente de luz se ubica al costado del objeto a fotografiar, a 90º de la línea imaginaria que se crea entre la cámara y dicho objeto. Con esta iluminación se obtienen imágenes con un costado altamente iluminado y el otro con una marcada sombra.

Luz contrapicado o desde abajo: se dan en el caso de que el objeto o escena ocupen un plano o nivel superior o foco.
Contraluz: la fuente de luz se ubica frente al fotógrafo y detrás del objeto a fotografiar causando un efecto contaría de la iluminación frontal. Se logran imágenes con elevado contraste y poco convencionales

1.Realiza 3 fotografías utilizando el zoom de la cámara de tu móvil modificando así la distancia focal (ISO 400)

2. La película de la cámara analógica puede venir impregnada con una mayor o menor cantidad de sales de plata lo cual hace que la textura de las fotografías sea de grano fino, medio o grueso. Este factor se llama sensibilidad o ISO/ASA. La cámara digital también utiliza el factor ISO, adaptado a la correspondiente tecnología. EL ASA o ISO puede tener diferentes numeraciones, 100,200,400,800,1600, realiza varias fotografías(5 modificando el factor ISO al mismo motivo y comprueba las diferencias entre las distintas fotografías, pásalas a blanco y negro para verlo a mejor calidad 

ISO 100

ISO 200

ISO 400

ISO 800

3.Realiza una serie de fotografías 3 de una persona : viéndose parcialmente la cara, otra hasta la cintura y otro de cuerpo entero. Utiliza un objetivo gran angular(panoramico)