"El cambio a una nueva vida" La importancia de una buena estética en nuestra sociedad

Reflexion personal sobre el post y el video

 

http://www.lavanguardia.com/vida/20170315/42896082676/gorrilla-hipster-josete-transformacion-facebook-mallorca.html

Este vídeo nos muestra que nuestra sociedad se basa más en las apariencias que en lo que en realidad son las personas. Todos somos iguales y en este vídeo podemos observar como este hombre se gana la vida siendo aparcador de coches. Esta persona llama la atención en el video ya que cambia radicalmente su apariencia, provocando así una alegría en él, al saber que no es como la sociedad le hace ver que es y cuando todos le ven, no se lo pueden creer, incluso algunos ni le reconocen.

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Retrato tipo Warhol

Obra modificada de Andy Warhol

He decidido utilizar esta imagen de Andy Warhol ya que es un diseño llamativo de este producto, dando así un toque divertido a la botella de Coca Cola y siendo una obra muy conocida por la mayoría de las personas.

Esta obra es uno de los diversos cuadros que Andy Warhol, nombre artístico de Andrew Warhola Junior, dedicó al refresco más icónico y famoso de Estados Unidos y del mundo entre los años 1962 y 1964, algunas de cuyas versiones o bien están en manos de coleccionistas privados o en grandes museos como el MOMA de Nueva York.
Esta obra se caracteriza por pequeñas variaciones de color y pequeños detalles.

«Todo empezó así… Warhol en Toledo. Reencuentro».

«Todo empezó así… Warhol en Toledo. Reencuentro» se realizó en el Centro Cultural San Clemente, en ella se podían visualizar las obras de Andy Warhol, Boyer Tresaco, Pedro Castrortega y Yolanda relinque.

Esta exposición exponía una serie de trabajos originales de Andy Warhol y se muestra 17 trabajos originales, realizados en tinta y lápiz, témpera, bolígrafo, acuarela sobre papel o impresión offset, que revelan la visión de la realidad de un hombre nacido en Pittsburgh y formado artísticamente en el Manhattan más bohemio de New York. Esto ha sido posible gracias a la colaboración de la Institución con la Galería de arte Theredoom y la cesión de las 17 obras por parte de la Fundación Andy Warhol.

En la primera planta del centro, que contaba con diferentes salas donde estaban reunidas las obras de los artistas menores de la exposición (Tresaco, RElinque y Castrortega). Las primeras obras que se podían ver eran un conjunto de oleos y esculturas que tenían una conexión entre si y tenían que estar presentadas conjuntamente. Siguiendo el recorrido llegábamos a una sala de tamaño considerable en la que estaban expuestas tanto lienzo de gran tamaño de Castrortega y esculturas hechas con tejidos de Relinque. La zona de exposición del piso superior seguía con una sucesión de lienzos de estos artistas.

En la parte inferior del centro se encontraba el reclamo de la exposición, una sucesión de las primeras obras de Andy Warhol. En la primera sala que se veía, se podían admirar láminas de dibujo del autor, unas con temas cotidianos, unas más reivindicativas. En esta zona también se podía ver unas de las primeras portadas que ilustro Warhol para diferentes revistas. El resto de la exposición se basaba en una sucesión de salas contiguas a la grande en la que se exponían láminas de dibujo de Warhol, dibujos a lápiz, acuarela, de objetos cotidianose incluso representativos de épocas del año. En una de las salas laterales a la principal se exponía la obra que había sido reclamo de la exposion, una lámina con una pintura a acuarela de una pierna de una mujer, que seguro que en la mente fetichista del autor tendría una gran explicación.

Algunas obras a comentar:

Esta es una de las primeras obras que se pueden ver en la exposición, de Boyer Tresaco, de la serie “Demoiselles d’Avignon”. Consta de un lienzo que hace pareja con una escultura de lo que parece una silueta femenina, que sería la representada en el lienzo. Esta obra representa el drama que se vive en nuestros días en Oriente medio y toda la zona conflictiva de África con la mujer.

Esta es una obra de Castro Ortega. Una de las cosas a comentar de esta obra es que es de gran tamaño, algo típico en el artista. Sus primeras obras se enmarcan dentro del realismo, con la representación de figuras selváticas o grandes urbes realizadas con abundante materia. Posteriormente evoluciona hacia una neofiguración donde deshace las figuras y la realidad a través de sucesivas fragmentaciones y transformaciones. La abstracción domina su pintura actual, caracterizada por grandes lienzos afines al neoexpresionismo y la transvanguardia. Esta obra se llama “Naufragio”

Esta es una obra de Yolanda Relinque, estaba expuesta junto a obras de Castrortega en una sala de tamaño considerable. LA obra representa la maternidad, pero a la vez todo el peso que puede llevar una madre a lo largo de su vida. Esta serie de obras son llamadas “Amazonía”, que pareciera hacer referencia a la selva tropical del Amazonas y su capacidad regenerativa sirve al tiempo para que Yolanda Relinque reivindique a las Amazonas como mito enfocado al ser humano o como concepto de sociedad. La singularidad de su obra se ve reflejada a través de sus seres en parte antropomorfos y de aspecto orgánico, que hacen referencia al nacimiento o a la transformación

Una de las obras que más destaca en Andy Warhol, es la obra de Michael Jackson, la cual sería el incio de la popularidad de ambos.

Biografia de Andy Warhol

Andy Warhol

Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

En 1962, pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.

Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. Su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.

7. Corrientes estéticas clásicas
Una corriente estética es una tendencia o actitud que impulsa un conjunto de personas a establecer criterios o ideas sobre los resultados de su trabajo artístico. En la fotografía, como en todos los campos creativos, también han existido desde su descubrimiento diferentes corrientes estéticas, nacidas generalmente por oposición a los gustos artísticos de otros grupos

7.1 Fotografía artística
El propósito de la fotografía artística va mucho más allá de la mera representación de la realidad. Las fotos artísticas no se toman sino que se crean y dependen fundamentalmente de la creatividad del fotógrafo y de su modo de plasmarla en una imagen. Bajo este nombre se identificó la obra de fotógrafos que trataron de incorporar a la fotografía elementos propios de la pintura de la época. Desarrollaron su trabajo en la segunda mitad del siglo 19.En este tipo de imágenes la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en la foto. Esta corriente estética surgió como reacción a las críticas de quienes en aquella época negaban que la fotografía tuviera valor artístico alguno. Sus integrantes buscaron inspiración en la pintura academicista, de la que tomaron sobre todos sus temas bíblicos, mitológicos, históricos, etc... Eran fotografías laboriosas y complicadas de realizar pues utilizaban decorados, vestuario y en ocasiones recurrían también a la combinación de negativos para conseguir una composición previamente pensada, de modo que la obra fotográfica final era fruto de múltiples tratamientos. Algunos fotógrafos de esta corriente fueron Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson y la última Julia Margaret Cameron 

Los dos caminos de la vida Oscar Gustav Rejlander

Los últimos instantes(1858)Henry Peach Robinson
Julia Jackson, un retrato por Julia Margaret Cameron, 1867.

7.2 Pictorialismo
Es una reacción a la fotografía artística y muestra una imagen más allá de lo existente, una imagen separada del mero registro de la realidad, un arte comparable a la pintura, a la escultura. 
El Pictorialismo es una reacción a la fotografía de aficionados que somete la idea de los valores propios de la fotografía para poder realizar obras de arte similares a otras disciplinas artísticas.
Los fotógrafos del Pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas del Romanticismo del siglo XIX que destacan por la sensibilidad y dejan en segundo plano los conocimientos técnicos. La idea es separar el concepto de la mera reproducción de la realidad.
La imagen borrosa, el efecto “floue” y el desenfoque señalan una fuerte influencia del Impresionismo.
La idea de borrosidad, de impedir ver claramente requiere no enfocar de forma deliberada, que entre el tema y la cámara se coloquen filtros, plantillas y demás utensilios.
A la fotografía se le pueden añadir diferentes técnicas como carbón, goma bicromatada y bromóleo. Así surge el concepto de “impresiones nobles” de modo que nunca resultaban iguales, eran obras únicas. 
Corriente fotográfica desarrollada en EEUU y Japón desde 1880 hasta el final de la primera guerra mundial. Pictorialismo proviene del inglés picture. Las tendencias principales dentro del pictorialismo fueron el naturalismo y el impresionismo. Los fotógrafos más destacados del naturalismo fueron británicos por ejemplo Peter Henry Emerson y otro Henry Peach Robinson. Y entre los impresionistas está el británico alvin langdon coburn y el luxemburgués Edward steichen  y el español José Ortiz-Echagüe. Los pictorialistas estaban preocupados por la estética y el impacto emocional. Preferían la imagen levemente desenfocada y rechazaban la nitidez. Lo importante era el contenido sin accesorios visuales que consideraban secundarios. Se hacían impresiones combinadas , se manipulaban los negativos y se usaban técnicas como la goma bicromatada, que disminuía la nitidez de los detalles y producía una imagen más artísticas.

7.3 Dinamismo
Uno de los primeros usos de la fotografía fue de uso científico. Por primera vez se podía "congelar" un momento de la realidad y observarlo de manera fija y continúa. Permitía hacer un análisis de la estructura y del movimiento de seres vivos. Esta corriente se llamó dinamismo. Para desarrollar estos movimientos se realizaron las cronofotografías, en donde el movimiento dinámico de un cuerpo quedaba registrado en cada una de sus reflexiones y tensiones. Eran imágenes que ayudaron a entender mejor la estructura física de los cuerpos.
  Eadweard Muybridge "Caballo en movimiento

 Entre 1870 y 1914 fotógrafos como etienne Jules Marey y el británico eadweard Muybridge lograron reducir el tiempo de exposición de cada fotografía muy necesa para captar elementos en movimiento, se empleaban hileras de 24 cámaras que disparaban "desde ángulos diferentes" mediante un mecanismo especial al pasar por delante de un motivo, objetos o personas...

7.4 Nuevo realismo
Fue un movimiento surgido del pictorialismo en la década de 1920, impulsado por artistas que buscaban acercarse más a la realidad sin manipular las imágenes en el positivado; por ello es conocida también como fotografía objetiva. Tenían en común la idea de que la imagen fotográfica es algo diferente y que no tiene por qué imitar a la pintura . Su fundamento principal fue la búsqueda de la riqueza tonal y la nitidez de los detalles, características que hoy son normales, pero que en su día significaron una verdadera revolución. El fotógrafo estadounidense Alfred Stieglitz fue su principal promotor desde el grupo photo secession (en 1900), al que pertenecieron Edward Steichen y Clarence H.White. Los neorrealistas propugnan el reconocimiento de la fotografía como una manifestación artística Autónoma. La revista camera Work fue fundada por Stieglitz en 1902, fue el medio para difundir estas ideas y las obras de fotógrafos de este movimiento como Ansel Adams, Frederick Evans, Paul Strand, Edward Weston y Imogen Cunningham

Imogen Cunningham
Edward Weston "cabbage leaf"

8. Otras corrientes estéticas
Las corrientes estéticas modernas tienen los mismos objetivos que las clásicas, o cualquier otra corriente contemporánea: defender un punto de vista personal sobre cómo tratar la técnica de registro, el revelado y positivado de la foto, que temática elegir y que estética aplicar

8.1 Estructuralismo y Abstracción

La fotografía abstracta es uno de los tipos más modernos de fotografía. Se puede decir que sólo hay una regla en la fotografía abstracta y esa regla es que no hay reglas. Se trata de un disparo normal y del ángulo y enfoque correctos para crear una obra maestra de colores, diseños y texturas. La fotografía abstracta puede producir imágenes muy espectaculares. Se basa en el sentido más primitivo de la forma, el color y curvas más que en los detalle. El problema es que la mayoría de los fotógrafos tienden a pensar en términos de detalle en la evaluación de oportunidades fotográficas. Sin embargo, se necesita una forma diferente de ver el mundo para percibir las oportunidades de la fotografía abstracta que nos rodean. Algunos fotógrafos que realizaron su obra a partir de la década de 1920 no eran partidarios de reproducir la realidad, sino de crear imágenes que existían previamente. La fuente lumínica fue la herramienta principal para experimentar sobre las formas y las estructuras de las imágenes. Volúmenes , texturas, juegos de luces y sombras fueron los elementos predilectos para la experimentación y creación de formas inedits mediante la fotografía. Roptchenko y Moholy- Napy 

 Alexandre Rodtchenko, La Femme au Leica, 1934
László Moholy-Nagy Boats, Marseille 1929

8.2 Surrealismo
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Muy influida por la filosofía y el psicoanálisis, esta corriente dio un enorme impulso a la fotografía utilizando con total libertad una variedad de técnicas, como el collage, el fotomontaje, el positivado de varios negativos en un mismo papel, las impresiones por ocultación, el coloreado a mano, etc.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
Las imágenes eran siempre desconcertantes con ironía, remitían al mundo onírico o también podía ser turbadoras y profundas, en la actualidad, sus técnicas se utilizan mucho en la publicidad y como medio de expresión personal. Los fotógrafos son Henri Lartigue, Robert Doisneau, Elliott Erwitt, Philippe Halsman y Henri Cartier Bresson.
Henri Lartigue


Robert Doisneau


Elliott Erwitt
Philippe Halsman
Henri Cartier-Bresson, Sevilla (1933)

8.3 Documentalismo y fotoperiodismo
Se puede considerar que la fotografía documental se inició con fotógrafos como mathew brady en la década de 1860. Los primeros documentalistas trabajaron aislados y sin conexión con las llamadas sociedades o hermandades fotografícas de las grandes capitales mundiales. Para estas, la fotografía documental era considerada vulgar y hasta de mal gusto. La realidad de la gente común no merecía ser tomada como tema fotográfico.
La fotografía documental combina el uso de la imagen como documento y testimonio. Es el antecedente al fotoperiodismo, que alcanzó pronto un alto grado de prestigio en todo el mundo hasta la actualidad. La fotografía documentalistas buscaba mostrar el ser humano en su amplia tipografía y diversidad: la crítica social, los acontecimientos dramáticos causados por la Naturaleza o generados por los propios seres humanos, como conflictos bélicos y revoluciones. Algunos documentalistas célebres fueron ROBERT CAPA, LEWIS HINE , WALKER EVANS , IRVING PENN, RICHARD AVENDON , MANUEL ALVAREZ BRAVO. En 1947, un grupo de fotógrafos de diversas nacionalidades fundó en París la agencia Magnum. Estaba integrada, entre otros como Robert capa, henry cartier Bresson, David seimour, George rodger y Werner Bishof.

  Federico Garcia Lorca - Seymour 1936

La agencia guarda en sus archivos miles de negativos y diapositivas no solo de los hechos más importantes acaecidos en el mundo y desde la 2 guerra Mundial, si no también de los estilos de vida del ser humano en diversos momentos y lugares del planeta